Si lo de antes era curioso esto, jejeje, casi no tiene nombre!!! El tema original es «Hijo de la Luna» de los poperos MECANO y lo grabaron en 1986, siendo uno de sus mayores éxitos. Buscando versiones me he topado con que el tema ya ha sido versioneado por otras formaciones de lo nuestro (THEATRES DES VAMPIRES, KATRA, STRAVAGANZZA, HAGGARD…) además de infinidad de covers de todo tipo, condición y pelaje, así que he seguido rebuscando hasta dar con la que os presento, a manos de los geniales melodeath fineses MORS PRINCIPIUM EST que registraron como bonus de la edición japonesa de su debut «Inhumanity» del 2003, y en la que mezclan el inglés con el español:
Si ya sorprendió la versión que los técnicos ARSIS se curraron del canadiense Corey Hart, lo de hoy lo hará igual o más. La banda original son los norteamericanos BON JOVI y el tema versioneado es «You Give Love A Bad Name», uno de sus bombazos extraído del exitazo «Slippery When Wet» (nada menos que 28 millones de copias vendieron del álbum); tema que supongo conocerás de sobras.
Lo lógico sería encontrar alguna banda aor currándose una versión, alguna cantante pop también ha picado con este corte pero encontrarse a unos metalcore (ATREYU) intentando no destrozar en exceso la melodía es digno de oírse, así que aquí tienes ambos videos:
Nota: ATREYU lanzaron este tema en su segundo álbum, del 2004, titulado «The Curse» aunque solo en las versiones japonesa y la limitada.
Dany fue el encargado del clásico que hoy os ofrezco y el protagonista de su texto es uno de los músicos más reputados de la escena europea, fuente de inspiración para las hordas black metaleras (junto con VENOM, HELLHAMMER y CELTIC FROST). Su nombre es Kim Petersen aunque todo el mundo lo conoce por su sobrenombre: KING DIAMOND.
El vocalista comenzó sus andaduras musicales primero con la efímera banda BLACK ROSE (creada en 1979 y desaparecida en 1981) y después con los punkies BRATS aunque solo estuvo con ellos unos meses. Tras estos primeros pasos, y todavía en 1981, conoce al guitarrista Hank Shermann y juntos ponen en marcha una de las más grandes bandas de principios de los 80, los siempre geniales MERCIFUL FATE, que supusieron un verdadero shock para la escena al tratar temas oscuros y satánicos en sus letras e imaginería.
Desgraciadamente tras alguna maqueta, su ep «Merciful Fate» y los discos «Melissa» y «Don’t Break The Oath», en 1985 deciden separarse por diferencias musicales insalvables (Hank quería un sonido más comercial y King mucho más oscuro) y King comienza una carrera en solitario plagada de éxitos, entre ellos el clásico de hoy:
Voy a viajar en el tiempo hasta el año en el que se publicó este disco, para situarme y situaros a todos. Tendría yo unos 10 u 11 años, si mal no recuerdo. Eran otros tiempos para el Heavy y el Metal en general, digamos que la escena no estaba tan cojonuda como hoy día, no había internet, ni emules, ni Metal Archives… ni nada que se le aproximara lo más mínimo. Era la época del vinilo, de las cintas tdk, de los vaqueros ajustados, de las J´haybers, de irte a la sala recreativa con un walkman para jugar a las maquinitas de moda escuchando JUDAS PRIEST o METALLICA, lo dicho, eran otros tiempos. El caso es que un servidor ya estaba empezando a moverse en estos ambientes pero en su justa escala, tenía por aquel entonces que saber del estilo gracias a lo que las revistas contaban, luego con los años y la Mtv todos dimos gracias a Dios por el programa Headbangers Ball, que para nosotros fue toda una revelación, lo más de lo más. Como decía, todos los meses iba al kiosco a comprarme la Metal Hammer (gran revista en aquellos años), la Heavy Rock y en muy contadas ocasiones otras publicaciones como Kerrang o Rip.
Un día como hoy, hace lo menos 20 años, me compre una Heavy Rock, recuerdo que salían en portada varias bandas como POISON, OBUS y un tío con la cara pintada que se hacía llamar KING DIAMOND. El caso es que a mi temprana edad y en cierta medida por la reputación que tenía el Heavy en la época, mi madre solía ver la revista antes que yo por si había algo que “censurar”, en ese caso cogía unas tijeras y recortaba la foto o texto que ella considerara inapropiado para un niño de 10 años y me la devolvía después. Recuerdo perfectamente que recortó una foto de OBUS, bastante lamentable por cierto, pero curiosamente cuando llegó a la parte donde se hablaba de KING DIAMOND y salían fotos de él, pensé que iba a coger las tijeras y se iba a liar a recortar como una posesa (ya sabéis, lo típico de “este tío es un satánico” o algo parecido), pero no fue así, lo primero que me dijo fue: “¿Ves a este hombre? esto es todo maquillaje, es como un actor, se maquilla para actuar…”, me alegro profundamente y agradezco a mi madre el hecho de protegerme e informarme debidamente de ciertas cosas, cosa que hoy día parece que se ha olvidado, así anda la juventud.
El caso es que por circunstancias, no llegué a escuchar este disco en su momento, sino varios años más tarde, cuando un conocido bastante fanático de KING DIAMOND me dejó el vinilo, a continuación escuché todos sus discos. El caso es que al ser lo primero que escuché de él fue lo que más me impresionó, ya que no pensaba ni por asomo que un personaje con esas pintas hiciera un Heavy Metal de tantos quilates, yo me esperaba algo mucho más extremo. Eso si, a tan tierna infancia escuchar la intro de “At The Graves” sin sentir cómo se erizan los pelos de la nuca es imposible.
Tras editar “Them” en 1988, KING DIAMOND continúa en “Conspiracy” con la historia de su hermana Missy, de la abuela de ambos y sobre todo de aquellos a los que se refería como “ellos” (Them). KING DIAMOND se encargó de todos los detalles (letra, música, portada…) y la producción corrió a cargo de Chris Tsangrides (JUDAS PRIEST, ANVIL). El disco abre fuego con “At The Graves”, con una intro de teclado (madre mía, no hay cosa más tétrica) a la que precede un autentico temazo, para mi de lo mejor que ha grabado y compuesto este hombre en su carrera, con ritmazos, desdoblamiento de voces, melodías por tuberías… acojonante. “Sleeples Nights” no le queda atrás, con multitud de matices y cambios que lo hacen sencillamente brutal. Al ser un disco conceptual, no puedes saltar los temas así por así, pero destaco también temas como “Lies”, “The Wedding Dream” o “Let It Be Done”. El disco en su totalidad es una obra maestra, compositiva y técnicamente muy bueno, con unas guitarras (grande Andy LaRocque) muy trabajadas y con esa atmósfera oscura que tan sólo él es capaz de transmitir en todo lo que hace.
Muchos dicen que el mejor trabajo de KING DIAMOND, también conocido como el hombre de las mil voces, aunque siendo objetivos debería ser el hombre de los mil falsetes… es el “Abigail”, para mi “Abigail” es un disco sublime, pero “Conspiracy”, por todo lo que he explicado antes, me atrapó desde el principio.
TRACKLIST:
1. At the Graves
2. Sleepless Nights
3. Lies
4. A Visit From the Dead
5. The Wedding Dream
6. Amon Belongs to Them
7. Something Weird
8. Victimized
9. Let It Be Done
10. Cremation
FORMACIÓN:
King Diamond – Voces
Andy LaRocque – Guitarra
Pete Blakk – Guitarra
Hal Patino – Bajo
Mikkey Dee – Batería
Roberto Falcao – Teclado
La banda versionera de hoy aparecerá en alguna otra ocasión por esta sección ya que su único álbum está compuesto solo por versiones. Ellos son PERFECT WORLD y fueron puestos en marcha por el guitarrista italiano Alex De Rosso (VERTIGO, HEADRUSH, en solitario…) y el bajista Fabrizio Grossi (VERTIGO, STARBREAKER, OVER THE EDGE…), aunque el nombre que más destacaba era el de su vocalista, el genial Kelly Hansen (HURRICANE, UNRULY CHILD, FOREIGNER…).
Viendo los músicos y el listado de temas se nota que este proyecto fue puesto en marcha por pura diversión, lo malo es que deberían haber pulido más la producción y no lo hicieron (curioso teniendo en cuenta que Fabrizio es un reputado productor). Lo bueno es que el nivel musical y vocal es excelente, y como muestra de ello os voy a dejar el tema que más me gusta de este álbum, la pegadiza «Just Like A Pill» que la popera PINK popularizó en 2001:
Para esta nueva di-versión tomamos como punto de inicio Gibraltar, lugar de procedencia de la banda versionera, pero vamos a finalizar en Gran Bretaña ya que la banda original son irlandeses y la banda versionera está ahora afincada en Londres. El tema protagonista de este post es «Zombie» y fue la canción que puso alas a la carrera de sus creadores, los irlandeses THE CRAMBERRIES, quienes la registraron para su triunfador segundo álbum «No Need To Argue» (aparecido en 1994 y con nada menos que 18 millones de copias vendidas). Este tema lo compusieron tras un atentado del IRA en el que murieron dos niños.
Es lógico esperar que cuando un tema alcanza enorme fama sea caldo de cultivo para que la gente se curre versiones y había donde elegir pero me ha gustado la que se curraron BREED77, con su típico deje flamenco, para su álbum «Insects» del 2009 y es la que os ofrezco:
Cada vez está más cerca el momento de agotar todos los clásicos que pude recuperar de la anterior web. Hoy despedimos a nuestro ex-bloodfiresteel con su última aportación a la sección, una banda americana de metal melódico que consiguió fama y fortuna tras la entrada de un vocalista europeo en sus filas después de unos primeros discos solo para coleccionistas del metal norteamericano de los 90. Aquí tienes el texto:
En 1995, el primer disco de los americanos KAMELOT sale a la calle. Los tiempos difíciles para el metal ya habían acabado y el power metal estaba empezando a romper esquemas en todo el mundo, la avalancha metalera se acercaba. Pero la banda no establece realmente su formación hasta 1998 con la incorporación del cantante noruego Roy Khan y un jovencísimo batería llamado Casey Grillo. Khan provenía de una banda de metal progresivo de culto y con gran reconocimiento en Europa, CONCEPTION, y su técnica vocal dejó boquiabiertos a más de uno.
Y finalmente llegamos al 2001. Ya habían salido al mercado discos tan exitosos como el directo «The Expedition» y un laureado «The Fourth Legacy», el segundo con auténticos temazos como «Nights Of Arabia» o «Until Kingdom Come», pero si de algo sabía este grupo era de superarse lanzamiento tras lanzamiento. Testigo de lo que digo fue finalmente el clásico que hoy nos atañe, «Karma».
El año se presentaba potente en el estilo, sacaron disco SONATA ARCTICA («Silence»), HEAVENLY («Sign Of The Winner»), ADAGIO («Sanctus Ignis»), EVERGREY («In Search Of Truth») y un largo etcétera que convirtieron aquellos 12 meses en canelita fina.
Pues bien ¿que podría KAMELOT ofrecer ante tanta calidad rebosante en su entorno? De entrada una formación con una calidad instrumental indudable, de segundo unos productores maestros en su trabajo que eran Sascha Paeth y Miro, y de tercero una portada a cargo de Derek Gores que no dejaba indiferente a nadie.
La suma de todo nos dejó a los que estuvimos atento al lanzamiento, con la boca totalmente abierta. Nada había sonado parecido antes, la voz de Khan era de las mejores que podíamos haber escuchado en muchísimos años y el sonido del CD era perfecto en todos los sentidos. Se mezclaba el power metal más cañero con otras partes más sentimentales apoyadas por los delicados teclados de Miro.
El compacto se abría con «Regalis Apertura», una intro en toda regla que nos iba marcando la ambientación que más tarde explotaría con «Forever». Himnos entre los himnos este tema es de los mejores del power moderno y sino que baje el dios del metal y lo niegue. Directo, con feeling, un estribillo simplemente potente e inolvidable hicieron del corte en cuestión de uno de esos esenciales para los conciertos de la banda. Ahí tendremos la característica melodía de voz/guitarra/teclado que llegamos a tararear todos durante semanas. Como nota interesante, según comentaba Khan en algunas entrevistas, el tema estaba dedicado al padre del vocalista.
Que la cosa no pare, y es que «Wings Of Despair» estaba dispuesto a darlo todo y reclamar el trono del metal melódico. Power metal puro y duro a doble bombo pero con excelentes guitarras melódicas y unos coros que apoyaban a Roy elevando su status de genio a cada minuto que pasaba del CD. Atención a ese parón que sufre a mitad, recomendado subir el volumen para luego prestar atención a ese punteo que, simple pero efectivo, llegaba al oyente de una manera pocas veces vista en una banda del estilo.
Elegancia es la única palabra que se me ocurre al describir un tema como «Don’t You Cry», una de las mejores baladas de la historia en la que violines y guitarras acústicas apoyan a Roy con tal de darle su toque de melancolía y feeling. Y es que este hombre posee matices en su garganta que son realmente envidiables, capaz de elevar su tono a niveles estratosféricos o de llenarnos el alma con ese timbre relajado que nos demuestra en dicho corte.
Pero para bombazo otro de los esenciales del grupo, «Karma». ¿Quién que lo haya oído no ha cantado sin darse cuenta «Who will trade his karma for my kingdom»? Esta vez Grillo se pone las botas demostrando que la edad no es excusa para ser un excelente batería y llegar a ser el complemento perfecto para este «Karma» y su adictiva melodía. De nuevo Khan nos regala una capacidad vocal de auténtico orgasmo y sino oíd esas partes previas al solo…
Aunque si ya esperamos que lleguen los temas de relleno vamos listos ya que no hay ni uno. «The Light I Shine On You» empieza lenta pero su verdadero potencial se encuentra en ese estribillo sorprendente y de los que te pegan en la cara para despertarte.
KAMELOT no son sólo una banda de temas rápidos y cañeros, ahí quedó demostrado con «Temples Of Gold», otro corte con un océano de melancolía y una parte instrumental pausada perfecta para relajarnos previo a lo que más tarde vendría. Ya que como recta final nos presentan por una parte la directa «Across The Highlands» con otro estribillo powi pero que se nos graba como si de un sello se tratara; y por otra parte tenemos la parte épica del asunto. Son 3 cortes dedicados conceptualmente a la triste vida de Elizabeth.
Una temática dramática que comienza en «Mirror Mirror» en la que oíremos a Khan casi a cappella para ir metiéndonos en la historia. A continuación el medio tiempo «Requiem For The Innocent» nos presenta el nudo para más tarde «Fall From Grace» meternos en el bombástico desenlace con uno de los mejores cortes del CD y de los mas agresivos tanto instrumental como vocalmente.
Para los más afortunados que pudieran tener la edición amaricana tendremos la versión en francés de «Don’t You Cry» llamada esta vez «Ne Pleure Pas», mientras que la japonesa poseía un tema mucho más heavy titulado «Once And Future King», y es que eso de que exijan los japoneses bonus tracks especiales para su mercado sigue siendo algo incomprensible a día de hoy.
De todos modos y sin duda alguna «Karma» es una de esas obras maestras actuales tanto de una banda que sigue al pie del cañón como de un género que con trabajos como este consigue que aún nos sigamos emocionando con la piel de gallina. Todo un clásico.
TRACKLIST
1. Regalis Apertura
2. Forever
3. Wings Of Despair
4. The Spell
5. Don’t You Cry
6. Karma
7. The Light I Shine On You
8. Temples Of Gold
9. Across The Highlands
10. Elizabeth, Part I: Mirror Mirror
11. Elizabeth, Part II: Requiem For The Innocent
12. Elizabeth, Part III: Fall From Grace
13. Ne Pleure Pas
14. Once And Future King
FORMACION
Roy Khan – Voz
Thomas Youngblood – Guitarra
Glenn Barry – Bajo
Casey Grillo – Batería
Nueva di-versión recién encontrada. Estaba visitando youtube y me he topado con una nueva banda británica de heavy metal (si, todavía salen bandas heavies de allí) y no se les ha ocurrido otra cosa que darse a conocer con una versión para su primer video oficial. El tema se titula «From Paris to Berlin» y es obra de la discotequera Infernal, siendo la banda versionera el trío KILL OR CURE, quienes han echado mano de batería y vocalista femenina como invitados para llevar a cabo el video.
Aquí los tienes:
Nota: la propia banda ha colgado el álbum en youtube (click aquí) incluyendo comentarios de los músicos intercalados en los temas.
El progmetal, durante largos años, no gozó ni de reconocimiento, ni de grandes ventas, pero mira tu que en 1992 unos jovenzuelos músicos neoyorkinos tuvieron a bien lanzar su segunda obra y con ella se abrió la caja de Pandora, empujando a cientos y cientos de músicos a practicar aquellos acojonantes ritmos y consiguiendo que un estilo que se veía condenado al más oscuro underground floreciera rápidamente.
Años atrás, con su debut, recibieron bastantes críticas acusándoles de «mucho ruido y pocas nueces» pero tras ponerse las pilas y deshacerse de su antiguo vocalista (con mucho el elemento más flojo de aquel primerizo trabajo) para fichar a un desconocido canadiense, su carrera se catapultó rápidamente hasta lo más alto y todo empezó con el clásico que hoy os ofrecemos, a manos de stryper_maniac:
Atco Records, división de Atlantic Recordings, una de las más importantes compañías discográficas que ha dado el rock y el metal en toda su historia, empresa que dio sentido a nombres como METALLICA, PANTERA, RUSH o STONE TEMPLE PILOTS, fijó su atención a principios de los años noventa en una curiosa formación que por aquel entonces emergía y pretendía editar, con su ayuda, su segundo trabajo. Un año antes de la edición del clásico que hoy nos ocupa, se produciría uno de los pocos cambios que tendrían lugar en el seno de la hoy mítica formación, el cambio de vocalista. Entraba James LaBrie, quien ocupaba el sitio de un Charlie Dominici en cuyo haber quedará para siempre aquel “When Dream and Day Unite”. El cambio permanece hasta nuestros días, y salvando algunas variantes en cuanto a teclistas (un par de cambios), no puede decirse que el grupo se haya visto sometido a un constante ir y venir de músicos. Quizá sea ese uno de los puntos clave que determinen a DREAM THEATER como una de las bandas
más solidas, conjuntadas y que mejor se entienden dentro y fuera de los escenarios. Un auténtico teatro de los sueños de cuyo segundo acto damos buena cuenta hoy en nuestro clásico semanal.
Lo suyo era el metal. Pero claro, la banda atesoraba tal talento, tan alto grado de virtuosismo fruto de varios lustros de conservatorio, que había que hacerlo notar y exteriorizarlo de algún modo. Inspirados en bandas como RUSH, KING CRIMSON, YES, PINK FLOYD o MARILLION, desde su debut, incluso desde sus primeras demos, quedaba muy claro que el quinteto sería uno de los más grandes del metal progresivo, pero les quedaba la etapa más dura: la de demostrarlo, tarea para la cual John Petrucci, John Myung, Mike Portnoy, Kevin Moore y James LaBrie contarían con unos ayudantes de excepción.
Una vez captada la atención del destacado sello, allá por el año 1991 – 1992, la tarea de conquistar a un gran público que por entonces apenas si habían oído alguno de sus temas, quedaba únicamente en sus manos. Compusieron, se metieron en los Bear Tracks Studio de Nueva York, su ciudad, contaron con los servicios de un grande de la música soul como fue David Prater para la producción y mezclas y, a principios de 1992, ya estaban listos los 8 temas para presentarlos y ver si, finalmente, lograban tan ambicioso reto que se habían propuesto, porque una cosa es ser talentoso, virtuoso incluso, y otra bien destina lograr llegar al público, atraparle con tu feeling y provocarle la necesidad de escuchar tus temas una, dos y mil veces más. En definitiva, enamorar a la gente con tu propia personalidad musical.
…Y lo hicieron, ¡vaya si lo hicieron! Todo empezó con “Pull Me Under”, un corte largo pero con partes ciertamente accesibles, de estribillo pegadizo y muchos quilates. Gran parte del éxito se lo deben a aquel videoclip que grabaron para ese mismo tema, el cual fue todo un hit en la MTV y les catapultó sobre manera hacia el éxito. Sin embargo, no fue es el único tema destacable. “Another Day” es, sin duda, una de las canciones más versionadas de DREAM THEATER de toda su carrera, y su piano, saxo, voz y solo perduran en la memoria de todos como una de las baladas más bonitas que la banda jamás hayan grabado.
Del mismo modo, “Take The Time” sorprendió por sus guiños funkies y ritmos imposibles, como “Sourrounded” lo hizo por su feeling y sus partes progresivas de guitarra. “Metropolis part.I” fue sin duda otro de los pelotazos del disco, y su éxito fue tal que pese a engendrarse como un tema más sin intención de nada, tras las múltiples cartas y peticiones, finalmente en 1999 decidieron grabar una segunda parte, la cual puede ser escuchada en “Metropolis part II”. “Under A Glass Moon”, la breve pero fantástica “Wait For Sleep” (genial con ese dueto entre Kevin al teclado y James a la voz) y “Learning to Live”, completan una obra redonda como pocas, un auténtico manual del buen metal progresivo que, como no podía ser de otra manera, cuajó de una manera brutal y es, hoy día, ejemplo y manual de cuantas bandas pretenden seguir el camino del progresivo y cualquier otro palo del metal.
Es de honestos reconocer que el éxito y la buena acogida de “Images & Words” no hubiese tenido sentido sin el fuerte papel protagonista del mercado japonés. Y es que Japón siempre ha sido como una segunda casa para los neoyorkinos, quienes visitaron a primeros de los 90’ por vez primera la tierra del sol naciente y quedaron impregnados de sus buenos ambientes y el cariño de los fans. Fue allí donde “Images & Words” mejor se vendió y donde mejor acogida tuvo también en directo. Prueba de ello es “Images And Words; Live in Tokyo”, una cinta VHS que hoy día puede encontrarse no a buen precio, testimonio directo del furor que en aquellos años causaba la banda de Mike Portnoy y cía. No tan difícil de conseguir es “Live At The Marquee”, el concierto con temas de “When Dream And Day Unite” y “Images & Words” que la banda grabara en 1993 y editara en vinilo y con el extra del tema “Another Day” especialmente para, como no, Japón y también Corea. Se dice que el título probablemente tribute al mismo “Live At The
Marquee” de sus admirados KING CRIMSON.
Discos tan redondos se hacen una vez en la vida, y pese a que DREAM THEATER han seguido sacando grandísimas obras en años posteriores, pocas, por no decir ninguna, como este “Images & Words” que les catapultara a la fama y al estrellato. Japón continuó siento territorio fetiche para ellos (como prueban documentos como “Live at Budokan”), pero a su vez la lista engordó, hasta tal punto que hoy día no es concebible un concierto de DREAM THEATER en un recinto que no supere las 10.000 localidades. En España ya giran por recintos como el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, y pocos vaticinan cual puede ser el techo de un grupo que sigue sorprendiendo, innovando y enamorando con cada nueva edición. Simplemente, unos genios de nuestro tiempo. Que duren.
TRACKLIST:
01. Pull Me Under
02. Another Day
03. Take The Time
04. Surrounded
05. Metropolis Part I
06. Under A Glass Moon
07. Wait For Sleep
08. Learning To Live
FORMACIÓN:
John Petrucci – Guitarra
Mike Portnoy – Batería
John Myung – Bajo
Kevin Moore – Teclados
James LaBrie – Voz
Continúo buscando a bandas death (la de hoy hace años lo era) currándose versiones de bandas progresivas. El tema protagonista, titulado «Land Of Confusion», apareció en 1986 a manos de los geniales GENESIS (imprescindibles para todo buen amante del progresivo, y a título personal recomendaría sus primeros años en exclusiva) y en él recogieron la preocupación que se respiraba en el mundo por el rumbo que estaba tomando la guerra fría. La formación británica la grabó para su «Invisible Touch» de 1986 y se convirtió en uno de sus éxitos de los 80. Los suecos IN FLAMES registraron su versión en 2003 dentro de su ep «Trigger».
Inciso: El post acabaría con los videos anteriores pero me he topado con otra versión de este tema y no quiero dejar pasar la oportunidad de compartirlo (sobre todo por las animaciones). En este caso los versioneros son DISTURBED:
Espero que no os moleste (ya sé que no) si continúo trayendo di-versiones en las que músicos death dejan de lado la agresividad para vestir su sonido con la elegancia del progresivo. En el caso de hoy vamos a visitar la siempre interesante Finlandia para degustar una versión que podríamos tildar, sin temor a equivocarnos, de totalmente inesperada. Por un lado tenemos a la banda versionera, una de las mejores que ha dado el melodeath finés (OMNIUM GATHERUM), y por parte de la banda versioneada a un gigante en esto del progresivo (RUSH). A priori es como si intentáramos mezclar agua y aceite…
El tema protagonista del post es «Subdivisions», tema que los geniales canadienses eligieron para abrir su álbum «Signals» de 1982, un álbum que inauguró una nueva etapa en la carrera del trío (cada vez que sacaban un disco en directo suponía el final de una sonoridad y se liaban a experimentar para los siguientes trabajos, justo como pasó tras su directo «All The World’s A Stage» de 1976 dejando atrás el sonido más hard rockero de sus inicios, después de «Exit…Stage Left» de 1981 se le dio mucha más importancia a los teclados, y tras «A Show Of Hand» de 1989 volvieron a sus raíces).
No me enrollo más, aquí os dejo video creado por un usuario del tema de OMNIUM GATHERUM y para la versión original me he permitido traeros una actuación en directo con las cámaras apuntando solo al batería Neil Pearl (una auténtica bestia tras su enooorme kit; ¿te imaginas al batería de AC/DC, por ejemplo, ahí sentado??):
Nota: La versión aparece en el último álbum de los fineses, titulado «Beyond», y si lo tienes y no viene este tema es porque solo apareció como bonus en algunas ediciones especiales (yo la he visto en una versión coreana).
Pocos tíos hay tan ocupados como el genial Dan Swano. Además de sus innumerables proyectos (para mi que es de los que jamás dicen que no a colaborar donde sea) hay que sumar su incansable labor como productor, normalmente ejercida en su propio estudio casero (que no te lleve a engaño este dato porque por allí han pasado OPETH, MARDUK, DISSECTION o KATATONIA, entre muchas otras) y, curiosamente, sigue regentando su tienda de discos en su ciudad.
El otro día estaba indagando sobre nuevas bandas death suecas (una de mis pasiones) y apareció ante mi un nuevo proyecto puesto en marcha por Dan, WITHERSCAPE, y al ver que se había currado una versión de una banda progresiva los fiché para la sección.
La canción original pertenece a una de las más míticas bandas de los comienzos del progrock, los ingleses GENTLE GIANT, quienes la grabaron para su cuarto trabajo «Octopus», editado en 1972 (se formaron en 1970 y en solo 2 años ya tenían 4 discos en el zurrón!!). Eso si, que a nadie le extrañe esta di-versión porque Dan siempre ha sido un enamorado del progresivo (echa una oída a sus proyectos/colaboraciones en ODYSSEY, ANOTHER LIFE, FRAMESHIFT, STAR ONE o NIGHTINGALE para ver que esto viene de lejos, que no todo lo que toca es death).
Cierto, falté a la cita pero unos pequeños problemas caseros requerían de toda mi atención; lo bueno es que en HOM nunca es tarde (y más aún desde que estoy solo, jejeje)… El clásico de hoy fue obra de Panzer (y ya sabes lo que le gustaba teclear!!) así que lo mejor es darle paso, sin más, a su visión de una de las más grandes bandas de finales de los 70, principios de los 80:
Hablar de una banda como los míticos RAINBOW es hablar en singular de uno de los más encumbrados a la vez que idolotrados músicos que ha dado la escena musical de los últimos cincuenta años, Sir Ritchie Blackmore. Tras su paso por la prehistoria de nuestra familia rockera en DEEP PURPLE y sobre todo debido al inmenso Ego que atesora este personaje conseguiría dinamitar a esta gran leyenda para formar su propia banda y, como dirán algunos, explorar nuevos horizontes.
Como si se tratara de un auténtico depredador en la selva y envuelto en un halo de misticismo y de vanidades fundaría RAINBOW allá por el año 1975. A pesar de que a algunos os suene como una ardua tarea eso de fundar «tu propia banda», este (con todos mis respetos) auténtico tirano tomaría el camino más recto: coger una banda en expansión, despedir a su guitarrista para que no hubiera malos entendidos y valerse de la fama y el poder atesorado con los años para decir… esta es MI banda. En las garras de este hombre caería por aquel entonces un conjunto de buenos músicos, con un par de curiosos trabajos a sus espaldas y comandados por una de las más gloriosas voces conocidas hasta el día de hoy, la de Ronnie James Dio. Si, si, por supuesto que me refiero a los ELF.
A partir de ese momento y a pesar de innumerables cambios de formación generalmente ocasionados por desavenencias con el Amo y Señor del Universo del Arco Iris verían la luz obras que han pasado a los anales de la historia contemporánea de la música como serían, entre otros, los grandiosos «Long Live Rock´n´Roll» o «Down To Earth».
La cosa funcionaba a las mil maravillas y los éxitos se fueron sucediendo uno tras otro hasta codearse con los más grandes de la época en el Viejo Continente. Pero la ambición del Hombre de Negro no podía ni debía parar aquí. El quería más, siempre más y su mirada se posaría en un mercado casi prohibitivo para cualquier grupo europeo de aquellos años, la conquista de América.
¿Cual era el plan? Pues evidentemente la cuestión consistía en «americanizar» las composiciones y como espejo en el que mirarse surgiría una banda que dominaba por aquel entonces los territorios de Yanquilandia, los soberbios FOREIGNER. ¿Con qué medios se prepararía la invasión? Evidentemente con un buen general, el propio Blackmore, y un buen ejército formado por tres de los más lucrativos y espectaculares soldados del Hard Rock (el teclista Don Airey, el bajista y mil cosas más Roger Glover, y el maleable y poderoso Graham Bonnet a las voces). Y como guinda del pastel, un batería americano con gran desparpajo y brillante porvenir llamado Bobby Rondinelli.
El desembarco estaba preparado y a finales de 1980 la banda entraría al estudio para ensamblar su quinta obra, «Difficult To Cure». Con todo el material pregrabado y la función en marcha, se produciría un altercado, como no, entre Ritchie y su cantante que daría con los huesos de este último fuera de la banda. Comenzó la búsqueda y captura de un nuevo vocalista y tras más de un centenar de candidatos, algunos de la talla del mismísimo Ian Gillan, sería finalmente un muchachito que en esa época lideraba una banda de segunda fila llamada FANDANGO, el amigo Joe Lynn Turner, quién a contrareloj puso su pincelada para retocar uno de los temas del disco, «Freedom Fighter» y grabar las voces solista en los restantes cortes que ya estaban totalmente finiquitados, y finalmente el 19 de Enero de 1981 nacería la obra de la que hoy os hablo, «Difficult To Cure», uno de los trabajos con más gusto y personalidad que había salido al mercado hasta ese momento.
Destilando exquisitez arranca el viaje con «I Surrender» con una melodía pegadiza, tan del gusto de los gustos norteamericanos, con un trabajo vocal que con el tiempo les daría la razón a la hora de reclutar a Turner, porque si bien él mismo confesaría poco después que tuvo que cantar a lo largo de todo el disco en un tono mucho más agudo del que nunca lo había hecho, demuestra una versatilidad fuera de toda duda. Aunque pueda parecer una broma, el siguiente tema está dedicado por parte de Glover a su jefe y amigo Blackmore, «Spotlight Kid», un corte alegre y ligero en el que la combinación entre teclados y guitarras le confieren una velocidad preciosista muy de agradecer por el oyente. Mención especial ese toquecillo cíngaro hacia el final del corte que se ha convertido en todo un mito. Sencillamente, genial.
Nos ponemos ligeramente más serios con el tercer corte «No Release» dónde la guitarra explora caminos al ciento por ciento purpelianos y con un acompañamiento mucho menos festivo y alegre que los dos temas iniciales. Grandilocuente y pomposa arranca «Magic», la única canción del álbum junto a «I Surrender» que en esta ocasión no contó con la elaboración ni por parte de Blackmore ni por parte de Glover. Aquí podemos observar claramente el acercamiento que se busca hacia los sonidos más americanos de la época como los FOREIGNER o los mismisimos APRIL WINE, como dijo aquel, música sin estridencias… yo diría más bien, maravilloso AOR.
A continuación nos vemos envueltos en un tema instrumental en el cual este portento de las seis cuerdas nos demuestra no solo su infinito potencial a la hora de ejecutar una obra, sino a la vez un despliegue de sentimiento que hoy en día tanto echamos de menos algunos de los amantes de este instrumento. Arrancamos con notas de Blues para acercarnos raudos y veloces a otro tema rockerillo y vacilón «Can´t Happen Here». Sencillo a la vez que magistral y con un estribillo de esos que encandilan y que una vez escuchado sigues tarareando durante semanas.
Otra perla nos asalta con «Freedom Fighter», con un espectacular despliegue de medios por parte de toda la banda y de nuevo con unos coros cuidados hasta el más mínimo detalle. El tema más pesado, si es que se le puede denominar así teniendo en cuenta de quienes estamos hablando es este «Midtown Tunnel Vision» dónde veremos mezclados a la vez sonidos desde las profundidades de unos BLACK SABBATH con ligeras reminiscencias del Soul más superficial y con un sentimiento y una dedicación que espanta, pero de gozo.
Y para cerrar el quiosco, nada como la grandilocuencia de Beethoven. El tema que da título al disco es una libre y preciosista adaptación de Blackmore de la 9ª Sinfonía y claro, cuando a un artista con todas las letras le pones entre manos una herramienta de este calibre solo puede salir algo como esto, una joya.
¿Qué puedo decir como colofón? Sencillamente una obra de arte con mayúsculas y que debería ser de obligada escucha (sin excusas) por cualquier amante de la música, independientemente de cual sea su género preferido.
P.D.- Como pequeña anécdota, el disco se cierra con la risa de uno de los mayores cómicos de la Historia, Oliver Hardy. ¿Por qué este detalle? Habría que preguntárselo a Ritchie, por supuesto.
TRACKLIST:
01. I Surrender
02. Spotlight Kid
03. No Release
04. Magic
05. Vielleicht Das Nächste Mal (Maybe Next Time)
06. Can´t Happen Here
07. Freedom Fighter
08. Midtown Tunnel Vision
09. Difficult To Cure
FORMACION:
Joe Lynn Turner – Vocals
Ritchie Blackmore – Guitar
Don Airey – Keyboards
Roger Glover – Bass
Bobby Rondinelli – Drums
Aunque no soy ningún experto en la escena española (ni rock, ni metal) de lo que no cabe duda es que HÉROES DEL SILENCIO se metieron al público en el bolsillo y consiguieron encumbrarse como una de las bandas más laureadas del país, logrando exportar su rock cantado en castellano por medio mundo. Dentro de su discografía hay un tema que brilla con luz propia, «Entre dos tierras» (aparecido en su «Senderos de traición» de 1990), así que este tema es el motivo de esta di-versión.
Lo fácil hubiera sido liarse a buscar versiones de bandas nacionales (SÔBER o SKIZOO tienen…) pero no sería propio de mi, así que he rebuscado por esos mundos de dios y tras dar con algunas versiones realizadas por bandas extranjeras, por ejemplo los death/góticos italianos EVENFALL, me he decantado por una banda germana por aquello de que seguro que les costó mucho más cantar en español que a unos italianos. Ellos son los míticos oscuros DARKSEED.
Sigo intentado sorprenderte con versiones atípicas. La canción original, «The Show Must Go On» (el espectáculo debe continuar), fue una de las últimas composiciones de la formación original de QUEEN antes de la muerte de genial Freddy Mercury y cerraba su álbum «Innuendo» de 1991. Seguro que la has oído con anterioridad, ¿verdad?
Así que la sorpresa viene por parte de la banda versionera. Ellos son los funeral doom/death brasileños HELLLIGHT que la grabaron para su ep especial «The Light That Brought Darkness» (6 de los 7 temas que lo componen son versiones) que autoeditaron en 2011, y aunque le dan su toque se nota que intentaron mantenerse lo más fieles posible a la versión original.
A disfrutar!!
Aquí os traigo otra entrega de aquellos clásicos que solíamos postear en la web hace ya unas lunas. Para la ocasión nuestro ex blood nos llevó de viaje hasta tierras británicas para rememorar a la banda que dió fama al genial vocalista Tony Mills, siempre contando con el permiso de sus compañeros, que el éxito no fue solo de él!! (de hecho consiguieron fichar con un sello grande para su segundo disco sin haber conseguido grandes críticas con su debut).
Aquí tenéis su texto:
Grandioso año 1987. Seguro que os sonarán discos como WHITESNAKE «1987», KING DIAMOND, «Abigail», DEF LEPPARD «Hysteria» o DOKKEN «Back For The Attack» entre otros tantos. Está claro que los 80 era una década excelente para el hard & heavy mundial. Levantabas una piedra y te salía una banda nueva, pero lo más grande de todo es que abundaba la calidad y no la morralla. Algo que desgraciadamente hoy día es más difícil ya que la gran culpa se reparte entre las descargas de Internet y las propias discográficas que se han cavado su propia tumba llegando a sacar subproductos sin sentido musical ninguno.
Siguiendo esa mirada hacia el pasado que nos ofrece este nuevo clásico semanal para Hall Of Metal, nos vamos a fijar especialmente en SHY. La banda de origen inglés tuvo como componentes originales a Tony Mills, Steve Harris, Paddy McKenna, Mark Badrick y Alan Kelly. Tocaban un hard/A.O.R. de raíces muy europeas y con un alto contenido en teclados, tal y como marcaban los cánones de la época.
La similitud más posible es con la banda noruega TNT (en la cual se halla ahora el voceras de Mills), ambas formaciones comparten un vocalista de voz aguda y que alcanza tonos altos de niveles estratosféricos, un lujazo los dos. Y no es para menos las guitarras de Steve Harris, el cual lo mismo te hace un solo ultra melódico que simplemente acompaña a la música con una perfección absoluta llena de arreglos y cambios de ritmos.
Está claro que presentando a un grupo así, la cosa creo que promete. Pues bien, SHY tienen 10 trabajos en la calle más un EP. Para los 4 primeros contaron con Mills pero en el quinto álbum éste no se quedo satisfecho con la dirección musical que se estaba tomando y puso pies en polvorosa.
Los ingleses siguieron adelante ya que se veían en plena ebullición de su carrera, por lo que contaron en sus filas con el vocalista John Ward. Pero por fortuna para sus fans, Tony regresó para realizar los dos últimos álbumes de la banda hasta la fecha, los grandiosos «Unfinished Business» y «Sunset And Vine».
Pero si de una cosa se está de acuerdo es que el mejor trabajo de SHY, y uno de los más grandes de los 80, es «Excess All Areas». Para este LP el bajista original ya no estaba y fue sustituído por Roy Stephen Davis. Incluso se contó con la producción de Neil Kernon (DOKKEN, AUTOGRAPH, FM, etc.) y una gran colaboración por parte de Don Dokken en 3 temas.
No os voy a engañar, encontraréis melodías ultra cargadas, producción pomposa y voces muy agudas. Ese será el sello de la casa y no hay mejor muestra que uno de los mejores cortes de toda la década, «Emergency». Este será el primero co-escrito con Dokken y no hay mejor elección para abrir un LP que ese teclado con reverb al máximo cuando segundos más tardes irrumpe Mills con su grandiosa voz. Pero que aún no se os caiga la baba puesto que lo mejor es el estribillo, un auténtico himno con el cual ya me he desgallitado alguna que otra vez.
Si eso no os parece lo suficientemente cojonudo, oíd «Can’t Fight The Nights», puro A.O.R. del bueno y con un solo que quita el hipo cuyo único defecto es que se hace muy breve. Más adelante «Young Heart» pone una nota un poco más popera que nada desmerece de todo el conjunto, el corte es pegadizo y cuesta quitárselo de la cabeza con una radio-fórmula muy identificable emparejada con un Steve Harris haciendo auténticas malabares.
«Just Love Me» es la balada típica ochentera por antonomasia. Nos vendrán aires EUROPE o incluso DEF LEPPARD siendo quizás demasiada pastelosa pero que dentro del contexto en la cual la oímos hace que le cojamos incluso cariño ya sea por ese teclado omnipresente o por la preciosa voz de Tony. Y cambiamos de tercio a otras dos tracks co-escritas con Don Dokken que serán «Break Down The Walls» muy a lo RATT y con un sonido de guitarra fuera de serie retumbando a puro hard rock de medio tiempo, y «Under The Fire» que viendo el nivel de su predecesora lo tenía difícil pero lo consigue gracias a la melodía principal que conduce la composición y a otro gran solo que hará las delicias de los más exigentes.
«Devil Woman» resuena a una gran influencia AC/DC en su comienzo y «Talk To Me» irrumpe en escena con un sonido de órgano de iglesia para luego llegar el propio estribillo cantado por un Mills en estado de gracia. Y así vamos a ir dejando atrás otra balada que será «When The Love Is Over» la cual considero de mucha más calidad que la primera y «Telephone» siendo otro tema marchoso y pegadizo en la línea de «Break Down The Walls».
Para finalizar la revisión al gran clásico que es «Excess All Areas», en 2001 se añadieron 3 bonus tracks para nada desmerecedoras, sobre todo «Don’t Wanna Lose Your Love» que es de los mejores temas de todo el disco con un estribillo rompedor, corte el cual se tenía que haber incorporado en un principio.
Ya tenéis un nuevo disco al que echarle el guante ya que es «relativamente» fácil encontrarlo en tiendas, y además para el 2009 están preparando un nuevo disco con Lee Small al micrófono. Ya veremos con qué nos sorprenden, esperemos que no sea tan lamentable como el último esfuerzo discográfico de TNT, banda hacia la cual se incoporó Tony Mills.
TRACKLIST
01. Emergency
02. Cant Fight The Nights
03. Young Heart
04. Just Love Me
05. Break Down The Walls
06. Under Fire
07. Devil Woman
08. Talk To Me
09. When The Love Is Over
10. Telephone
11. Run For Cover (Bonus)
12. Only You (Bonus)
13. Dont Wanna Lose Your Love (Bonus)
FORMACION
Tony Mills – Voces
Steve Harris – Guitarra
Roy Stephen Davis – Bajo
Alan Kelly – Batería
Paddy MaKenna – Teclados
Que cosa más curiosa, y rara (muy rara), os traigo hoy a la sección. Estaba el otro día buscando más vídeos para traerlos y no me podía creer lo que apareció ante mis ojos: una banda de death técnico currándose una versión de aor, tintado de pop electrónico, de principios de los 80!!!! La banda versionera son los geniales ARSIS y el tema en cuestión pertenece a su última obra «Unwelcome» del año pasado. El cover que se curran es «Sunglasses At Night», obra del vocalista canadiense Corey Hart, quién la grabó para su debut «First Offense» editado en 1984.
Aquí tenéis los vídeos (cuidado con la original, se os puede atragantar):
Desde tierras madrileñas llegan estos debutantes mezclando electrónica y metal para su debut «From The Beginning To The End», disponible desde el pasado día 12. La banda me ha informado que acaban de comenzar la gira de presentación y abren boca con su primer videoclip oficial:
Aquí te dejo el enlace para que te descargues el álbum y también en streaming (para los más perezosos):
Descarga
Aquí os traigo otra de nuestras entregas rescatadas de la antigua web. En esta ocasión el texto salió de mi teclado y se lo dediqué a una banda que siempre me gustó y a buen seguro que muchos ignoráis (arderéis en el infierno por ello!!). Ahí va el texto:
Hoy me he decidido por rescatar a uno de los grandes perdedores de la escena norteamericana, los míticos Y&T, aunque un poco después del disco que hoy os ofrezco sí que tuvieron cierta repercusión en cuanto a ventas (sus singles «Don’t Stop Running» de 1984 y «Summertime Girls» de 1985 fueron pelotazos y «Don’t Be Afraid Of The Dark» de 1990 también, el resto….)
Hablar de ellos es hacerlo, casi en exclusiva, de su líder Dave Meniketti. Un vocalista con un timbre de voz facilmente reconocible (un gran punto a su favor) y también excelente guitarrista, que siempre ha sabido rodearse de grandes músicos (el impresionante guitarrista Stef Burns, el batería Jimmi Degrasso…) pero al que jamás le ha sonreído la diosa fortuna como se merecía.
Comenzaron su andadura como banda en 1974 y hasta 1976 no consiguieron lanzar su debut de título homónimo. Tras él apareció «Struck Down» en 1978 y con su tercera obra «Earthshaker» (1981) consiguieron que los amantes de la buena música ya nos fijáramos en ellos y les consideráramos un grande. Es a partir de dicho álbum cuando la cosa ya iba viento en popa, apareciendo disco tan fundamentales para el hard/heavy de aquellos años como «Black Tiger» (1982), el increíble «Mean Streak» (1983), «In Rock We Trust» (1984), «Down For The Count» (1985)…. Todos álbumes imprescidibles para comprender el auge posterior del heavy rock, como se hizo llamar el «estilo» en aquellos años, y puestos a elegir, me he decantado por uno de los discos más potentes de su discografía, este «Mean Streak», editado en 1983.
Como es lógico el sonido es sencillo pero muy bien producido, con las guitarras como grandes protagonistas de su propuesta, amén de la voz de Dave, ya que ese el punto álgido de su sonoridad. Y abriendo apetito nos topamos, nada más comenzar, con una de sus andanadas más queridas por sus fans, la potente «Mean Streak» que daba título al álbum, dotada de unos riffs de los que después beberían gente como George Lynch para sus DOKKEN o Ron Keel/Marc Ferrari para sus KEEL.
Continuamos con la excelente y bastante más calmada «Straight To Your Heart», medio tiempo fuente de inspiración para gente como BATON ROUGE y mostrando esa típica sonoridad que esta gente tan bien supo cultivar. Ahhh, puede ser que también te suene parecida a los posteriores VAN HALEN de Sammy Hagar.
«Lonely Side Of Town» es otro de esos temas que pueden servir como ejemplo típico de su sonoridad, jugando como los mejores en esto de los medios tiempos melodiosos, rozando por momento la balada. Eso si, las guitarras son espectaculares, como siempre (no te pierdas ni uno de los solos de este fastuoso disco).
«Midnight In Tokyo» es una de las mejores baladas de esta gente, sencilla, popera (en algún momento puede recordar a THE POLICE) y con unas solistas que se te quedan grabadas a fuego una vez las escuchas. Y bueno, ¿qué decir de ese estribillo? Te invito a oír este corte y a ver si eres capaz de no acabar cantando con ellos.
«Breaking Away» es un tema cálido, veraniego en algún momento pero chulesco, con David dibujando una línea vocal enorme, y que puede recordar a aquellas primerizas bandas aor yankies de finales de los 70. Pido un poco de atención sobre el solo central, ¿no echáis de menos esos solos en la actualidad?
«Hang’em High» es aprovechado por la banda para pisar el acelerador y meterle un poco de buen metal al disco (como ya pasara en el primer corte). Potentes riffs, gran y conciso coro, y unas guitarras soberbias!!! Pido atención para un pasaje en este corte, en esta ocasión esa zona central en plan redoble militar y las guitarras levemente dibujando el riff principal para desembocar en otro gran y rápido solo. Que grandes estos jodidos.
«Take You To The Limit» comienza como una balada para acabar sonando al bueno de Sammy Hagar en solitario (el de los años 70/80), es decir, rockero y con mucha guitarra al aire, con la voz como mayor y mejor protagonista. «Sentimental Fool» creo que deja clara su sonoridad con solo ver el título, si, semi balada con el sabor añejo típico de aquellos años (si te gustan formaciones como KISS, TRIUMPH, APRIL WINE…), acompasada, con pocas guitarras y estribillo fácil de recordar.
Y cerrando tenemos «Down And Dirty» con voz a lo Gene Simmons muy descarada!! Incluso en lo musical este tema nos recuerda a los más cañeros KISS de su maravilloso «Creatures Of The Night» (un clásico que tengo que currarme por webos!!). Todo, todo, todo nos recuerda a los neoyorkinos (esas guitarras y sus riffs, la batería, la voz, los coros…). Parece un homenaje, por no decir otra cosa, jejeje.
Gran álbum el que nos ofrecieron los Y&T y que he rescatado por puro placer (me puse a oírlo el otro dia… y una cosa me llevó a la otra). Ahora que Meniketti ha anunciado que vuelve con nueva obra de Y&T es el momento adecuado de ir calentando motores con, por ejemplo, este gran «Mean Streak», aunque nunca es tarde para descubrir a una de las mejores bandas que ha dado el panorama hard americano.
Lo que si siento es que jamás tuvieran el éxito que se merecían y acabaran desdibujados y faltos de la chispa que sus primeras obras tenían a manos llenas. No pierdas la oportunidad de darle un repaso a su discografía, tu alma te lo agradecerá.
TRACKLIST
01. Mean Streak
02. Straight Thru The Heart
03. Lonely Side Of Town
04. Midnight In Tokyo
05. Breaking Away
06. Hang ‘Em High
07. Take You To The Limit
08. Sentimental Fool
09. Down And Dirty
FORMACIÓN
Joey Alves – Guitarra, voz
Leonard Haze – Batería, voz
Phil Kennemore – Bajo, voz
Dave Meniketti – Guitarra, voz solista
Nos vamos a la fría Islandia para la di-versión de hoy. La pequeña Björk fue la creadora original de la canción, que apareció en su segundo álbum «Post» de 1995, y con el paso del tiempo se ha convertido en una canción plagada de versiones aunque hay truco: tras el devastador tsunami en Asia, la artista solicitó ayuda para crear un disco benéfico y pidió versiones y remezclas del tema protagonista de este post. Recibió más de 600 en muy poco tiempo.
En terrenos más cañeros también ha causado furor y nos podemos encontrar versiones creadas por gente como CHIMAIRA, CALIBAN, KLONE, HELMET, MAJA, BEANBAG, SANE, SOUNDS UNDER RADIO, los euskaldunes OST…aunque yo he elegido (dicen que la cabra siempre tira al monte) a los progresivos polacos PROGHMA-C. A disfrutar!!
El tema que hoy os acerco se convirtió en un verdadero himno para la banda que lo versioneó, algo que pillaría a la banda original (los franceses TRUST) por sorpresa porque ellos apenas consiguieron repercusión cuando la grabaron en 1980. Con el paso de los años más bandas se han acercado a rendir tributo a un tema politizado al máximo y de plena actualidad (busca la versión en español que grabaron LOS SUAVES), pero siempre quedará en nuestro recuerdo la que los norteamericanos ANTHRAX grabaron en su «State Of Euphoria» de 1988 y estoy seguro que muchos ni siquiera saben que es una versión.
Como siempre, aquí tienes ambos videos (la original está cantada en francés, aunque creo que la banda también la grabó en inglés):
Nunca fui fan de los Maiden y eso a pesar de que los colegas me bombardeaban constantemente, día a día, con las composiciones de los británicos y comentarios del tipo «cómo coño no te va a gustar la mejor banda heavy». Quizás aquel acoso mareante fuera una de las razones por las que no me entraban (siguen sin hacerlo) y yo seguía centrado a lo mío, que en aquellos primeros años metaleros era seguir a Judas y Accept sobretodo, y en terrenos más «blandos» flipar con los años ochenta de los míticos KISS (la de veces que oiría los «Lick It Up», «Animalize» y «Asylum»!!!).
Lo único que consiguieron fue que me pillara la camiseta que sacaron para el single «Stranger In A Stranger Land» (extraído del único disco que puedo soportar de ellos, precisamente el que tratamos hoy) por su increíble dibujo …y el gasto obró milagros, trayéndome algo de paz.
El texto de hoy corre a cargo de nuestro lector seventh son:
“Somewhere In Time”…un disco que me transporta automáticamente a los recuerdos de mi adolescencia…una época en la que iba al Simago en los recreos de las clases del instituto a, simplemente, admirar y perderme en los detalles de su portada y contraportada…para quedarme absorto, embobado.
“Somewhere In Time” fue el disco con el que descubrí a Iron Maiden y al Heavy Metal, pues fue el primer disco del estilo que escuché. Sí, cierto que comencé escuchando cosas como EUROPE, BON JOVI y el “Blow Up Your Video” de AC/DC…pero el primer disco genuinamente Heavy que escuché fue “Somewhere In Time”. Por tanto, le debo mucho. Comencé grabándome en una cinta, para rellenarla, los temas “Caught Somewhere In Time” y “Wasted Years”…pero me gustaron tanto que rápidamente sucumbí al hechizo, y me grabé rápidamente todo el disco que mi primo tenía en su casa.
La historia de este album comenzó el día que Iron Maiden terminaron su “World Slavery Tour” ’84 –’85…o puede que incluso un poco antes. Una banda agotada, extenuada, casi al borde de la destrucción, se enfrentaba al reto de editar un nuevo Lp con el propósito de evolucionar su sonido…la escena Metal estaba en completa ebullición, el panorama Glam – Hard Rock estaba repleto de grandes grupos que se lo estaban comiendo todo a nivel USA y no había que olvidar al Thrash Metal, estilo en el que jóvenes grupos con hambre de llegar muy alto como METALLICA, MEGADETH o SLAYER estaban pegando muy fuerte…por tanto, no es de extrañar que los grandes del Heavy Metal como IRON MAIDEN o JUDAS PRIEST no se quedasen quietos: tenían que editar material que fuese un paso más allá de sus obras anteriores…y de calidad, claro.
“Somewhere In Time” fue concebido como un cambio con respecto al pasado…una evolución en cuanto a sonido se refiere sobre todo, aprovechando los sintetizadores tan de moda por aquel entonces…que fueron aplicados a las guitarras, consiguiendo un sonido distinto al de los anteriores álbumes de la banda. Guitarras sintetizadas que también utilizaron JUDAS PRIEST en su exitoso “Turbo” de ese mismo año.
Es un disco curioso en muchos aspectos, a parte del ya mencionado en cuanto al cambio en el más puro sonido Maiden: ni una sola idea aportada por Bruce Dickinson, y mucho, mucho material propio de Adrian Smith, tanto música como letras, lo cual lo coronaba ya, definitivamente, como una pieza fundamental en el sistema de la banda a nivel de composición.
El álbum está estructurado a la vieja usanza, como a mí me gusta: ocho potentes temas, repartidos en cuatro por cada cara del vinilo.
El trabajo se abre con el tema que da título al disco, “Caught Somewhere In Time”, una composición de Steve Harris. Un tema típico de la banda para abrir el disco y los conciertos del “Somewhere On Tour”, a todo trapo, con el galopante bajo de Harris y con unas guitarras muy inspiradas por parte del dueto Murray/Smith, amén de un gran estribillo con Dickinson pletórico, en el que se luce especialmente. Y mención especial para la primera parte de la canción, con un excepcional fondo de teclados que arropa a la melodía principal de esas guitarras dobladas, que hace que enseguida te des cuenta de que te encuentras ante un disco de IRON MAIDEN que no es como los anteriores. Gran tema.
“Wasted Years” es la siguiente en caer, la primera del gran Smith. ¿El primer tema “comercial” de IRON MAIDEN? Puede que sí; Adrian tiene un don especial para componer temas directos y pegadizos, que no exentos de fuerza y caña. Con una gran intro de guitarra y un estribillo que engancha a la primera, qué duda cabe de que es uno de los temas estrellas de “Somewhere In Time”. Además, Adrian se luce en los coros. Grandioso.
El siguiente tema, “Sea Of Madness” es, para mí, el tema más Heavy que han grabado en toda su carrera. Sin duda. Es, además, la prueba inequívoca de lo que decía anteriormente: Adrian Smith compone temas pegadizos, pero también con caña. Este, sin duda, lo es. Y mucho.
Porque el riff de entrada del tema es matador…esa guitarra rugiendo…y de repente, entran todos los instrumentos, con un ritmo de bajo machacón a más no poder, marca de la casa.
La parte del estribillo que enlaza con el solo de guitarra de Adrian es sencillamente magistral, para mí esos segundos son lo mejor del tema.
Y llegamos al final de la primera parte del disco con “Heaven Can Wait”, otra composición de Harris. Tema también bastante largo (al igual que sus otras composiciones para este disco) y que siempre fue un fijo en sus conciertos.
Tema rápido, con una parte central en la que hay un marcado cambio de ritmo (parte en la cual la labor vocal de Dickinson es exquisita) y unos coros grandilocuentes. En “Heaven Can Wait” el bajo de Steve luce en su máximo esplendor, pareciendo ser como siempre el instrumento que “guia” a los demás.
“The Loneliness Of the Long Distance Runner” da comienzo a la segunda parte del disco. También compuesto por Steve Harris, comienza lentamente para convertirse en un tema rápido.
Se lucen aquí especialmente Bruce Dickinson en el estribillo y el dúo Murray/Smith (una vez más) con su buen hacer con sus instrumentos. La parte central de guitarras dobladas es, sencillamente, magistral. De matrícula de honor.
Un tema que, seguramente a más de uno le hubiese gustado escuchar en los conciertos de la banda.
Y entonces nos encontramos ante otra joya del disco: “Stranger In A Strange Land” es, como no, otra composición del por aquella época, tocado por los dioses Adrian Smith. Un medio tiempo bestial. Fijáos en el comienzo del tema: aplastante entrada con bajo y batería al unísono, y de repente la irrupción de las guitarras sintetizadas…un placer para nuestros oídos.
¿Y qué me decís de la parte lenta central, en la que Harris y Smith se lucen con sendos solos? Delicioso…están a otro nivel, ya no solo por virtuosismo, sino en el plano compositivo y de “feeling”.
Fuí un privilegiado por verles tocar este tema en directo en Madrid en el “Ed Hunter Tour ‘99” No creo que se repita la ocasión. De lo mejor del disco, sin duda. Y tremenda portada la del single, por cierto. No puedo dejar de mencionar este detalle.
“Deja – Vú” es una canción firmada por Murray y Harris, y de ella me encantan especialmente las guitarras dobladas cortesía de Dave y Adrian. No en vano, esas dobles guitarras siempre fueron una de las señas de identidad de la banda. Me gusta mucho “Deja – Vú”; tema rápido, directo, pegadizo, rítmico y con un buen solo de guitarra.
Y llegamos al final con el tema más épico de todo el álbum, el magno “Alexander The Great”.
Tema compuesto íntegramente por Harris, repasa en ocho minutos y treinta y cinco segundos la vida del más grande conquistador de todos los tiempos. La letra es formidable, y el tema musicalmente hablando es una delicia, con varios cambios de ritmo y un fantástico duelo de guitarras. Es otro de los temas de la banda que a más de uno nos hubiese gustado escuchar en directo, y más en este último “Somewhere Back In Time Tour”.
Como reflexión final, cabe preguntarse lo siguiente: ¿Fue “Somewhere In Time” un disco de transición? ¿Sirvió de enlace entre la época hasta el “Powerslave” con el “Seventh Son Of A Seventh Son”, disco en el cual IRON MAIDEN siguieron utilizando las guitarras sintetizadas, así como los teclados?
Yo creo que sería una gran equivocación calificarlo como disco de transición. Pero sí que fue un disco necesario y que desbrozó el terreno para lo que había de venir después, pues supuso una evolución en el sonido de la banda, sin rehusar a sus señas de identidad.
Además, las caras “b” de los singles “Wasted Years” y “Stranger In A Stranger Land” son también temas formidables, destacando sobremanera “Reach Out”, donde Adrian Smith se destapa además como un formidable cantante.
Y por supuesto, una vez más, el trabajo de Martin Birch en las labores de producción es encomiable, descomunal. Supo guiar al grupo hacia esa evolución pero sin perder la más pura esencia de una banda de la grandeza de IRON MAIDEN.
Un disco para la historia.
TRACKLIST:
01. Caught Somewhere In Time
02. Wasted Years
03. Sea Of Madness
04. Heaven Can Wait
05. The Loneliness Of The Long Distance Runner
06. Stranger In A Strange Land
07. Deja-Vu
08. Alexander The Great
FORMACIÓN:
Bruce Dickinson – Voz
Steve Harris – Bajo
Dave Murray – Guitarra
Adrian Smith – Guitarra
Nicko McBrain – Batería
Los videos que os traigo no entran en la línea que ha tomado la sección ya que no son original y versión pero seguro que a los más despistados (y esta sección va dedicada a ellos y a los que solo les gusta escuchar sin buscar info) les hará gracia el asunto. Primero presento el video del viejo rockero canadiense:
Y el segundo corte a manos de los extremos británicos:
Los británicos quisieron hacer una pequeña broma jugando con el título de la canción, que Neil Young grabó para su «Freedom» de 1989, para su álbum «Swansong» de 1996. Si quieres conocer más concordancias te invito a leer las politizadas letras de ambos temas.
Me vais a reñir por esta entrada pero tras escuchar varias versiones de la canción protagonista de este post me quedo con la que se curraron los hardcore franceses BLACK BOMB A en su «One Sound Bite to React» del 2006. Muchos diréis que habiendo bandas heavies que han versioneado el corte (SINNER o FOX, por ejemplo), debía haberlas elegido pero ruego escuchar y después opinar.
El tema en cuestión es «Beds Are Burning» de los estrafalarios australianos MIDNIGHT OIL y abría su álbum de 1987 «Diesel And Dust».
Hace poco me topé con otra curiosa versión y al montar, a toda prisa hay que aclarar, esta nueva sección de videos me acordé de ella. Hay que reconocer que aunque el tema se aleja (estaría casi en el extremo opuesto) una barbaridad del estilo de la banda que la versionea el resultado es realmente apetecible.
La banda versionera es FIVE FINGER DEATH PUNCH y el tema que adaptaron, a su estilo, para su disco «War Is The Answer» (2009) es la genial «Bad Company» de los propios BAD CO., originalmente aparecida en su primer álbum en 1974. Venga, a subir el volumen para ambos videos:
Aquí os dejo la última participación (que pude rescatar) de nuestro ex wildchild y para la ocasión nos remite a tierras suecas para hablar de una de las bandas con más solera de su panorama extremo. Aquí tienes el texto:
Una semana más estamos aquí con un clásico bien calentito para vosotros, ahora que aprieta el frío. Escoger este clásico al contrario que otros no me supuso ninguna duda, ya que vi que no había nada de este gran grupo que es HYPOCRISY. Vamos a empezar con una obligada situación en el espacio y en el tiempo. Peter Tagtren es un famoso productor conocido por muchos y también líder de un par de bandas, PAIN e HYPOCRISY. Mientras que en PAIN da rienda suelta a su imaginación e inquietudes, en HYPOCRISY su banda madre, practican un death metal que mucho ha evolucionado a lo largo de los años. Entre los discos de ésta genial banda, podemos encontrar desde death metal old school al principio, a metal extremo con samplers, sin dejar de lado canciones pegadizas y melódicas en “The Arrival” o brutales, técnicas y rápidas canciones en su último y majestuoso “Virus”.
Todo tiene cabida en la cabeza del señor Tagtren, per éste disco fue grabado hace ya muchos años, y todo empezó como un chaval superdotado musicalmente que se puso a tomar metal extremo. “Penetralia” fué su primer y genial disco, y a éste le siguió “Osculum Obscenum”, uno de los mejores discos de death metal que he escuchado en mi vida. Y es que aquí no hay sitio para las melodías ni los samplers que más adelante incluirían, pero si hay sitio para los riffs brutales, los rápidos blast-beats y los más oscuros guturales.
Cabe destacar que tanto en “Penetralia” como en éste disco, no fué Peter quien se encargó de las voces principales, sino que fue Masse Broberg, mas conocido como Emperador Magus Caligula, el vocalista actual de Dark Funeral. Peter sólo se encargaba de algunos gritos y coros. Bajo mi punto de vista, Masse está más aprovechado aquí que en Dark Funeral, aunque supongo que éso será por ser fanático de Hypocrisy.
Fue en el año 1993 cuando esta joya salió a la calle y desde entonces HYPOCRISY no ha parado de sacar grandiosos álbumes como “Abducted” o el homónimo, pero ya ninguno recuperaba ese sonido death metal de “Osculum Obscenum”. Eran diferentes, no mejores ni peores. El plástico en cuestión se abría con uno de los mejores temas de HYPOCRISY de todos los tiempos, “Pleasure Of Molestation” que empieza de una manera brutal. Siempre recordaré la primera vez que escuché el “Conquest is My Art…!” del inicio. Musicalmente hablando el álbum se compone de riffs rápidos y luego otros algo más lentos que siempre caracterizan las composiciones de Peter Tagtren. La batería y la voz está ala altura así como el bajo. Las composiciones no son muy complejas, apostando por buenos y contundentes riffs en vez de enrevesar mucho el tema. “Exclamation Of A Necrofag” y sobretodo “Osculum Obscenum” siguen manteniendo el nivel de un álbum que no lo pierde en ningún momento. Quizá el tema más flojillo bajo mi punto de vista es la quinta canción que no es sino una cover del clásico de Venom “Black Metal”. No es que sea mala, es que yo la veo más como una bonus track, pero qué más da.
La segunda mitad del disco apuesta más por riffs lentos y pesados que por la velocidad, pero es igualmente de altísima calidad. Recomiendo a todo el mundo amante del buen death metal que sino ha escuchado éste clasicazo lo escuche, y si no ha indagado en la discografía de ésta espectacular banda que lo haga, pues no creo que a ningún amante del buen metal le pase desapercibido.
TRACKLISTING
1. Pleasure of Molestation
2. Exclamation of a Necrofag
3. Osculum Obscenum
4. Necronomicon
5. Black Metal (Venom Cover)
6. Inferior Devoties
7. Infant Sacrifices
8. Attachment to the Ancestor
9. Althotas
FORMACIÓN
Masse Broberg − Vocals
Peter Tägtgren − Guitar
Michael Hedlund − Bass
Lars Szöke − Drums
El tema de hoy está entre los grandes de la historia del rock y es difícil que alguien no lo conozca. La banda que lo versionea es TRANSATLANTIC y aparece en la edición especial de su última obra «Kaleidoscope» como parte del segundo disco en el que solo tocan versiones.
La composición original data de 1967 y es obra de THE MOODY BLUES. Aunque su grabación fue casi casualidad ya que contrataron a la banda para grabar una versión rock de una obra clásica para probar un nuevo equipo de grabación en estereo y, en vez de ello, los músicos propusieron mezclar rock y música clásica pero usando composiciones suyas (imagina que contratas a un pintor, le das instrucciones y pinta lo que le sale de los huevos…pues algo así pensaron en el sello que los contrató, aunque al final se rindieron ante el espectacular resultado conseguido!!). Aquí tienes ambos temas:
Me he topado con una excelente canción y al buscar la letra para (des)entonarla a viva voz (pobres vecinos, jajaja) me he dado cuenta que no es una composición de la banda que estaba escuchando, algo que nos pasa a todos en muchas ocasiones, así que he decidido crear nueva sección y traer ejemplos según vaya encontrando.
El formato es simple: os pondré video de la versión y después la original (tened en cuenta que la mayoría serán videos creados por usuarios), y si mi tiempo me lo permite, alguna aclaración sobre el tema, enlace a la letra, etc…
La primera entrega es ese tema que he descubierto y que me ha emocionado de lo lindo, sobretodo porque la versión se aleja de lo que la banda suele presentar en sus temas propios. Ellos son SHINEDOWN y la versión acústica de «Simple Man», tema que apareció en el primer disco de los sureños LYNYRD SKYNYRD lanzado en 1973 (desde que los Lynyrd pusieron su catálogo en digital a la venta este tema es el tercero más vendido después de las míticas «Sweet Home Alabama» y «Free Bird»). Como dato curioso, SHINEDOWN han introducido algunas pequeñas variantes en la letra que ni suman ni restan significado a la canción.
(Nota: otra banda de alt.metal/nu-metal, los DEFTONES, también grabaron una versión pero, bajo mi opinión, Chino estropea con su lacrimosa actuación vocal el tema)
Tobias y sus muchachos regresan con «Space Police – Defender Of The Crown» el próximo 18 de abril. Habrá dos ediciones (cd normal y cd doble) además de una superlimitada en formato libro que incluirá los dos cd’s y libreto de 130 páginas repletas de fotos, anotaciones, historias de las giras y demás zanahorias para los más fanáticos.
Aquí te dejo caratula y listado de ambos discos:
01. Sabre & Torch
02. Space Police
03. Defenders Of The Crown
04. Love Tyger
05. The Realms Of Baba Yaga
06. Rock Me Amadeus
07. Do Me Like A Caveman
08. Shadow Eaters
09. Alone In Myself
10. The Eternal Wayfarer
Bonus disc track listing:
01. England
02. Aychim In Hysteria
03. Space Police (progressive version)
04. Space Police (instrumental version)
05. Love Tyger (instrumental version)
06. Defenders Of The Crown (instrumental version)
07. Do Me Like A Caveman (instrumental version)
Para los que piensen en la edición limitada, aquí les dejo caratula, jejeje:
Los veteranos thrashers germanos no parecen dispuestos a tirar la toalla y eso que ya llevan más de 30 años en el negocio. Tras su «30th Anniversary – In The Power Of Now» de hace un par de años nos informan que su nueva obra lleva por título «Redefined Mayhem» y lucirá tal que así el próximo 28 de abril:
01. Hellhound
02. Undead Dogs
03. Sacred Sorrows
04. Triggered
05. Into The Dark
06. Process Of Projection
07. Delusion
08. Fading Realities
09. Liars
10. Whet The Knife
11. Redemption Of The Shattered
12. One Step Ahead Of Death
13. This Dirt
Los geniales daneses regresan el próximo 15 de abril con nueva obra bajo el brazo. La formación lanzará «Horizons» y ya nos dejan ver caratula, listado de temas y video adelanto:
01. Destined To Remember
02. Never Like This (A Dream)
03. Hear My Call
04. Airways
05. Revolution Come Undone
06. Breach Of Faith
07. Mindlessness
08. Horizons
09. A Dream Within A Dream
10. Erasure